Kara-Lis Coverdale

Kara-Lis Coverdale no Festival Novas Frequências. A música como um iceberg e a busca pelo sagrado além da superfície.

O trabalho de Kara-Lis Coverdale é como um iceberg. Em uma cultura que insiste na superfície, sua música exige o mergulho. É uma obra que opera nos extremos. Ela mistura a densidade claustrofóbica com o espaço abundante, o órgão ancestral com a máquina digital, o gesto feito à mão com o som plugado. Ela entende que qualquer som pode ser sagrado, desde que a intenção seja pura. O deepbeep apoia a edição de 15 anos do Festival Novas Frequências e Kara-Lis Coverdale é uma das atrações centrais dessa investigação sonora. Ela se apresenta no dia 5 de dezembro no Solar de Botafogo (RJ) e no dia 8 de dezembro no Teatro Cultura Artística (SP). A conversa completa sobre a arte de mergulhar além da superfície e a playlist que mapeia esse universo, uma interpretação e uma aposta do criador e curador do Novas Frequências, Chico Dub, estão logo abaixo.

Lísias Paiva, editor-fundador

Kara-Lis, você está prestes a se apresentar no Brasil no festival Novas Frequências. O que o público pode esperar da sua performance ao vivo? Como você traduz a complexidade e as camadas das suas gravações de estúdio para a energia do palco?
Com esta turnê, eu me sinto um pouco como um polvo com tentáculos em diferentes esferas da música. Estou me movendo entre coisas o tempo todo, então há uma sensação de transição. Há uma densidade opressora, claustrofobia, intensidade e então há uma abundância de espaço. Exploramos extremos em contraste. Eu harmonizo temporalidades, assinaturas e espectros aparentemente opostos, misturando sensações díspares. Estamos tanto dentro do “grid” quanto fora dele. Pela máquina e pela mão.

Traduzir para o palco é uma questão tanto de compor quanto de não se esconder [ser transparente]. Trabalhamos tanto com o sistema de som quanto com a acústica amplificada, como forma de articular um contraste tradicional da ontologia do meio. Ou seja, o plugado e o desplugado! Desplugar é uma tarefa muito mais intensa agora do que era na era elétrica. Estou interessada nesse desafio, tanto do ponto de vista prático quanto estético.

Sua formação como organista de igreja é parte fundamental da sua história. Como essa experiência com um instrumento tão físico, ancestral e sagrado ainda ressoa quando você cria música eletrônica e digital hoje?
Até certo ponto, som é som e música é música. Qualquer coisa pode ser sagrada, mas se algo é sagrado, depende da nossa sinceridade e intenção. Então, é uma questão de disposição. Quão puramente chegamos à nossa arte? Quão perto estamos de Deus? É isso que eu carrego entre instrumentações, entre projetos, colaborações e todas as atividades que realizo criativamente. Evitar a violação inteiramente é localizar verdadeiramente o sagrado. Reconhecer a violação também é sagrado. O meio é apenas uma questão de linguagem, e o som puro tem a capacidade de ir totalmente além da linguagem nesse assunto.

No deepbeep, nos inquietamos com a forma como os algoritmos frequentemente nos empurram para uma escuta superficial. Sua música, por outro lado, exige tempo e imersão. Como você vê o desafio de criar um trabalho tão profundo em uma cultura dominada pela gratificação instantânea?
É desafiador, com certeza. As profundezas operam em uma escala diferente, uma que é quase antissocial. É sem palavras. O invisível é aquilo que não pode ser dito. O reino dos mistérios. Lançar música gravada novamente me forçou a analisar a natureza das ecologias de superfície neste momento. Na verdade, é um espaço muito agradável no momento. Muito inspirador. Muitas trocas bonitas estão acontecendo. Positividade. Comunidade.

Mas é certamente um desafio traduzir obras para que elas possam operar de alguma forma nessas arenas. Pelo menos para mim, as plataformas são o desafio. Os formatos delas parecem estar ditando as obras de uma forma que é muito perturbadora e deveria ser criticada e discutida, já que as corporações não deveriam ditar a criação artística.

Mas, voltando à ideia de criar um trabalho profundo no mar do instantâneo, eu penso nisso um pouco como um iceberg. Você vê apenas a ponta de um iceberg enquanto ele flutua na baía. Sob a água há um pedaço de gelo muito maior. Apenas uma pequena parte penetra a superfície. É útil pensar nessa metáfora para entender que é impossível que as profundezas sejam completamente compreendidas, exceto por aqueles poucos que mergulham. Para todos os outros, existe a imagem do iceberg. E, muitas vezes, isso é o suficiente.

Suas composições parecem paisagens sonoras densas. De onde geralmente vem a faísca para uma nova peça? De uma melodia, uma textura específica ou uma ideia extramusical que você queira traduzir em som?
Ah, de tantos lugares. From Where You Came é um trabalho altamente guiado pela emoção. Elas são inspiradas pela emoção, ou seja, energia em movimento. Eu penso nessas peças como uma forma de traduzir a experiência encarnada de ser um ser altamente emocional.

No entanto, A Series of Actions in a Sphere of Forever não é nem um pouco esse tipo de trabalho. Ele resiste totalmente à exploração da emoção. Na verdade, é um vazio nesse sentido. E este trabalho não é “denso” nem uma “paisagem sonora”. Changes in Air é inspirado por objetos materiais e pela física da mudança. Eu acho saudável explorar impulsos alternativos no trabalho; isso permite perspectivas alternativas, ver além de si mesmo.

Sua música é frequentemente descrita com palavras como “sagrada” ou “transcendental”. No final, qual é o principal sentimento ou estado de espírito que você espera que seu som desperte no ouvinte?
Ah, eu não sei. Eu criei tipos demais de música para atribuir um único sentimento ou estado de espírito como resultado pretendido. É impossível. Mas eu esperaria que ajudasse alguém a ouvir algo dentro de si mesmo e então a ouvir para além de si mesmo, na estrutura do mundo que o rodeia, e além disso, talvez até o eterno.

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